Реальность столь многогранна,что любая концепция это лишь одна её грань.
Этот сайт посвящён творчеству современного живописца Семёна Кожина работающего в стиле реализма.

Московский переулок, тенистый двор, тополиный пух несется по асфальту, забиваясь в щели и залетая в окна. Здесь, недалеко от метро "Белорусская", расположена мастерская, в которой работает художник Семен Кожин.
Приверженец русской реалистической школы, выпускник Российской академии живописи, ваяния и зодчества, он стремится к абсолютной верности в изображении реальности.
Спектр интересов художника широк: историческая картина, портрет, натюрморт, пейзаж, иллюстрация. Необычен его подход к решению каждого нового полотна, нет формул, нет типичного.
Так, среди пейзажей мастера есть и документальные образы, фиксирующие архитектурные мотивы ("Церковь Василия Блаженного", "Церковь на Полянке", "Камергерский переулок", серия "Лондон"), присутствуют живые, воздушные, гармоничные виды природы ("Плес", "Аврора", "На вершине горы Джур-Джур", "Яблоневый цвет"), и философские, полные глубокого смысла композиции ("Белое море", "Мертвое дерево").
При всем разнообразии этим пейзажам присуща общая черта: Кожин старается не только передать впечатление от увиденного, но пережить его, найти и отразить знание о природе, создать ее интеллектуальный портрет. Его пейзажи аналитичны, для из восприятия необходим пристальный взгляд и серьезное созерцание.
В портретах проявляется любовь к ребусам и исследовательский интерес психолога.
"Портрет бабушки?" - почти символистический. Смеющиеся уголки глаз старушки, легкая полуулыбка? В этом портрете передана живость природного ума простой, но необыкновенно мудрой женщины. Но над кем она смеется? Над озадаченным зрителем, ведь из ее пестрого платка вырастают листья, словно лопухи. Что это? Тени? Или бабушка-земляничка?
В "Портрете девочек Яны и Маши" обстановка условна, схема портрета построена по принципу замкнутого круга, линия которого уводит взгляд от левого края композиции, охватывает всю картину, и, наконец, возвращает зрителя к исходной точке полотна. Как ковер, шпалера, оно представляет два вырезанных из разбеленного фона силуэта в остановленном времени, без событий и волнений. Образы закрыты, маньеристически отстранены. Добившись портретного сходства, живописец преследует также декоративные задачи.
Именно поэтому в портретах мастера можно проследить связь и с его историческими картинами. Здесь присутствует тот же тщательный подход к деталям и та же декоративность, но одновременно и эпичность.
С детства увлеченный историей, живописец посвящал много времени чтению античных авторов, его увлекали Светоний, Плутарх, Сенека и Еврипид.
Написанная примерно в 2001 году картина "Масленица" представляет буйство красок, языческого веселья. Но главным является философский аспект сюжета. В моменте сжигания масленичного чучела автор находит и дуализм человеческой души, и тему жизни и смерти. Не менее сложное по духовной насыщенности – полотно "Панихида по генералу А.А. Тучкову на Бородинском поле".
Это полотно - напряженное, мрачное, взвинченное в точности передает интонацию, которую встречаешь у С.В. Глинки в книге "Из записок о 1812 годе" . Вдова генерал-майора А.А. Тучкова(1778-1812), геройски погибшего в Бородинском сражении у Семеновских Флейшей, спустя три месяца после сражения нашла его тело, узнала по перстню на руке, и, продав все свое имущество, на месте гибели возлюбленного построила храм Христа Спасителя и монастырь, став при нем инокиней.
Давящие, сгущающиеся тучи на фоне темного неба разорванным ритмом прорывают композицию, словно вихрь, указующий на земное безумие. Все смешалось: тела людей, лошадиные трупы, брошенные военные орудия? Умершее дерево возвышается над полем битвы, простирая ввысь свои засохшие ветви, и выделяя священное действо панихиды. Иеромонах окропляет святой водой тела погибших, скорбят жены, потерявшие в сражении мужей, а на земле, простершись ниц,
оплакивает тело супруга Маргарита Тучкова. Рядом горит огонь - олицетворение негасимой любви и памяти. Автор избегает натурализма, сдержано, несколькими мазками обрисовывает тела погибших.
Художник намеренно уходит от частностей, ищет общечеловеческие черты в мотиве русской истории. Поэзия повествовательного ритма роднит работы молодого автора с полотнами Сурикова, Верещагина, Серова и многих других исторических живописцев.
Эти художники пристально всматривались в прошлое, искали сюжеты полотен в минувшем, обращаясь к переломным моментам истории.
Кто-то из них рассказывал о прежней жизни, надеясь воскресить национальный дух, кто-то использовал исторические примеры, чтобы показать современникам, как надо поступать, кто-то просто ностальгировал по преданиям глубокой старины.
В картине "Охота", написанной в начале 2007 года, воплотился прежде всего интерес художника-документалиста. Он тщательно изучил мельчайшие нюансы охоты конца ХIХ - начала ХХ веков, внимательно подобрал костюмы, исследовал, как осуществлялся каждый из этапов этого красочного действа.
Выбор темы объясняется давним интересом художника к сюжету охоты в истории искусства. Еще с доисторических времен изображение охоты ассоциировалось в сознании человека с установкой на успех. Магические рисунки шаманов на стенах альтамирской пещеры гарантировали удачу в реальной охоте. Укоренившись на генетическом уровне, память об этом сохранилась до наших дней. Подобно талисману "Охота", призванная приносить удачу, украшала залы дворцов, кабинеты, гостиные, она же является одной из самых востребованных тем современной живописи.
В композиции представлена охота на вепря, популярная в России в конце ХIХ века. Художник изобразил момент, когда кабан уже загнан специально обученными собаками, гончие окружают его черную массу. Он увлеченно, анатомически точно обрисовывает фигуры лошадей, с пяти сторон направляя их к центральной сцене. Главным декоративным элементом здесь является ритм, переливающийся стройными рефренами цветовых пятен, выделяющий основные композиционные группы и также ведущий взгляд от краев удлиненного полотна к его середине. Все элементы имеют особую смысловую нагрузку: выбор предмета охоты не случаен, вепрь издавна напоминал о грубой, непокорной силе природы, которую не каждому удается покорить, а рябина, тяжелыми гроздями обрамляющая сцену, - о богатстве и изобилии. По словам Семена, в своей работе он старался приблизиться к шедеврам Паоло Уччелло , Месонье. Но картина получилась настолько оригинальной, что это увлечение лишь угадывается. Можно смело говорить о том, что она является новым словом не только в русской, но и мировой живописи.
Вместе с тем и в этой картине, и в цикле 1812 года, и в интеллектуальном пейзаже чувствуется общее для молодого поколения художников русской реалистической школы стремление к гармонии в емком, зримом образе, к грации в ренессансном понимании, к вечному и недостижимому идеалу.
Успехи художника, многочисленные выставки в России и за рубежом, публикации в различных изданиях свидетельствует о творческой востребованности, подлинном таланте и необыкновенном трудолюбии и упорстве.
Возможно, именно благодаря этому редкому сочетанию, Семену Кожину удастся преобразить окружающий мир, сделать его светлее, и хоть на малую толику приблизить его к совершенству.

«Подлинное произведение искусства вечно остается прекрасным и живым, хотя приливы и отливы моды могут иной раз ненадолго выбросить его на мель. Оно остается прекрасным и живым просто потому, что живет своей собственной жизнью.»
Джон Голсуорси